纽约现代美术馆 MoMA (Museum of Modern Art) 闻名于世，可说是除了大都会博物馆外的另一圣地，名气大到你不能不来逛！MoMA 位于纽约曼哈顿第53街，在第五大道与第六大道之间，有着世界上最杰出的重要现代艺术收藏。这座博物馆建于1929 年，当时为纽约知名的洛克菲勒家族所赞助，博物馆外观充分使用水平与垂直线条， 非常有现代设计感。
馆藏超过十五万件艺术品，其中较著名的创作，包括梵高的《星空》、毕卡索的《亚维农的少女》、莫内的《睡莲》、马谛斯的《舞》、达利的《永恒的记忆》和塞尚的《沐浴者》等。
同场加映
抵达 MoMA 大众交通方式
前往 MoMA 主要的地铁搭乘方式如下：
- 地铁 B、D、F、M 线：可搭乘至 47-50th ST 的洛克菲勒中心（Rockefeller Center）。
- 地铁 E 和 M 线：可搭乘至 5th AVE - 53th ST 站。
周末地铁或有更动，详情请看 MTA。
MoMA 馆内参观相关消息
- 开放时间：每天上午10:00至下午5:30，每周五下午5:30至9:00，由 Uniqlo 赞助，免费开放参观。感恩节及圣诞节关闭。
- 门票费用：成人$25；65岁以上长者$18；学生$14；16岁以下免费。
游客必收！MoMA 参访小贴士
- 计划何时前往：MoMA 每周五下午5:30开始即免费开放，虽然免费，但该时段最为拥挤，建议提前抵达排队。
- 取得地图并计划：MoMA 馆藏丰富，提前准备计划，并建议一抵达即依照喜爱艺术作品排序参观。另外，每天上午11:30及下午1:30皆提供上限25人的导览。
- 寄放外套和背包：MoMA 提供免费寄放外套及背包，但建议轻便参访的同时，仍准备一件薄外套，馆内有时仍过冷。
- 语音导览：语音导览费用涵括在入场费中，MoMA 的语音导览极好，非常推荐！但一般游客记得携带身分证明相关文档，才能取得语音导览耳机。
- 由上往下参访：在丰富的永久性展览和不断变化的展览间，MoMA 馆藏极为丰富，看都看不完，建议初访者从第五层开始欣赏绘画和雕塑。
- 看电影休息：如果参观累了想休息一下，MoMA 提供广泛的电影放映，涵括在入场费中，但若想单独欣赏电影，也可额外购买电影票，成人$10；老年人$8；学生$6。
- 享受美食：MoMA 参访者可能会十分讶异，这居然是有美食的博物馆，像是雕塑花园供应 Il Laboratorio del Gelato 冰激凌，午餐可在 Terrace 5 餐厅享用，The Modern and Bar Room 供应顶级美食和饮料等。
- 友善的亲子空间：除了专门为儿童提供大型导览之外，MoMA 也不像部分公共空间，它允许使用推车，其中雕塑公园更是适合家庭参访的好地方。
- Uniqlo 赞助周五免费：Uniqulo 独家赞助每周五下午5:30至9:00免费入场，非常推荐给想省钱的你！但请留意，若想参观电影放映，则需另外付费。
- 纪念品购买：MoMA 纪念品独具创意，设计特别，非常适合购入作为家庭摆饰，一定会吸引很多人询问！
纽约 MoMA 必看亮点！
《星空》
纽约 MoMA 代表画作 (1880-1980) @ 绘画与雕塑馆 I、II
之所以建议从上往下参访的主因是，所有 MoMA 的代表画作都在五楼及四楼的绘画及雕塑馆 I 和 II。有人说，来到纽约 MoMA，只要看完梵高的《星空》和毕卡索的《亚维农的少女》，就差不多可以回家了，可见这两层楼艺术展览的重要程度！
《亚维农的少女》
The Starry Night ｜星空 (1889)：位于五楼的梵高知名画作《星空》前，可以说是万头钻动，但千万别错过，一睹梵高利用线条所创作的力量！这些线条，除了房屋及高耸入云的教堂外，都向后曲卷着，越卷越高。画面左边的是插入天空的丝丝入扣，伸向天际，象征着梵高患了精神病的孤寂灵魂。
Les Demoiselles d'Avignon ｜亚维农的少女 (1907)：一样位于五楼的毕卡索闻名创作《亚维农的少女》，其画风抛弃了透视法，转而使用平板的原始主义画法，这幅原始立体主义画作被认为是后来的立体主义与现代艺术的发端之一，关注现代画作的 MoMA 迷千万别错过。
除此之外，MoMA馆内还有其他不可错过的名作：
The Persistence of Memory｜永恒的记忆 (1931)：《永恒的记忆》典型地体现了达利早期的超现实主义画风，表现了一种由佛洛德所揭示的个人梦境与幻觉。
Woman I ｜ 女人(1950–52)：女人系列是 Willem de Kooning 里程碑级的作品，美国抽象表现主义本已完全脱离具体形象，但 Willem de Kooning 将抽象表现主义又带回有具象基础的形象绘画，像我一样喜欢抽象主义的人别错过。
Self-Portrait with Cropped Hair ｜ 断发的自画像 (1940)：Frida kahlo是超现实画派中重要的女性代表画家。她曾说过：「我从不画梦境里的景象，我画的是真实的自我。」Frida kahlo 一生历经坎坷，她将所遭遇到的苦难化成她的创作泉源。
《溺水的女孩》
Drowning Girl ｜溺水的女孩 (1963)：Roy Lichtenstein 也是美国普普艺术的翘楚，他特别擅长把卡通人物融入画作中，他曾说：「我试着利用一个俗滥的主题，再重新组织它的形式，使它变得不朽。这两者的差别也许不大，但却极其重要。」非常有看漫画之感。
White on White｜白上白 (1918)：Kazimir Malevich 的这幅画展现了极致的绝对主义的概念，他认为，无即为绝对，在一系列在白色背景上的作品，其中最有名的就是这幅《白上白》，象征着纯粹感情或感觉至高无上。
The Piano Lesson｜钢琴课 (1916)：野兽派的创始人马蒂斯所创作的《钢琴课》，是马谛斯最黯淡的作品时期，也是最渴望严谨性，最接近立体主义的时期。这个时期之后，他还是远离了立体主义，回到他快乐明朗的色彩中，将色彩回归结构性，强调主题。
《沈睡的吉普赛人》
The Sleeping Gypsy｜沈睡的吉普赛人 (1897)：我最喜欢的画家卢梭也在此有作品展出，卢梭虽然经常被归类为简朴派，但他的创作极具力量。虽然《沈睡的吉普赛人》画面里的元素，各自属于完全迥异的指涉，却也因为这个缘故，卢梭给予我们的暧昧共鸣，更像是以一种超越表象符号而产生的链接。
Water Lilies｜睡莲 (1916)：莫内的睡莲极为巨幅，占据整面墙，这幅画侧重的是同一主题在不同光线和空气下变化无穷的外貌。因油彩描绘下来的，不是所见的物体本身，而是画家观照的过程，可以说这幅画，是莫内一生对光与色表现的总结。
Campbell ’s Soup Cans｜康宝汤 (1962)：Andy Warhol 以不断复制康宝汤的图像方式，来反映消费生活的结构。因为工业社会为了应付群众的需求，必须以机器大量的生产；为了大量的生产，必须以一种模式来制造很多标准化的产品。这种产品的「复制」行 为，相对于以往社会手工制品的「独一无二」性质，显示昔日与今日两种不同的消费型态。
纽约 MoMA 室内设计展
来到三楼，可以窥见 MoMA 作为美国最重要的博物馆之一，馆内珍藏来自世界各地 19 世纪以来的当代经典作品，特别是走在 20 世纪工业设计与建筑蓬勃发展的过程中，那一件件过目难忘的经典设计椅。每件尽纳 MoMA 口袋名单里的经典椅，其拥有的意义，代表着素材、技术、甚至是罕见工艺手法上的创新与突破。
Barcelona Chair (1929)：这张椅子可以说是20世纪最经典也最多人仿效的作品了。Ludwig Mies van der Rohe 使用他擅长的悬臂式设计，以不锈钢打造出优美的弧形交叉椅脚，座垫内则采泡沫橡胶搭配皮革包覆，就连椅揹带也一律使用皮革，使其坐来非常柔软舒适，可以说是设计好看又坐起来实在！
Panton Chair (1959)：这张椅子的创作者 Verner Panton ，被誉为丹麦最具影响力的设计师，其代表作Panton Chair 就是世界上第一张一体成型的塑料椅，直到 1999 年，Vitra 开发使用聚丙烯素材，将 Panton Chair 整体塑造得更具耐用防刮，足见 Panton 惊人的影响力。
Paimio chair (1932)：20世纪北欧现代主义最有影响力的芬兰建筑师 Alvar Aalto，30 年代初期为疗养院设计建筑时的作品《Paimio chair》，考量到病人身心需要的阳光与温暖，所以使用比一般木材更具耐用的胶合板来打造，Aalto 的《Paimio chair》也让当时胶合板弯曲技术有了一大突破。
Wooden Chair (1988)：Marc Newson 可以说是鬼才，人们给了他「为世界制造曲线」的美誉，可以说是当之无愧！Wooden Chair 看似脆弱的木网结构，其实蕴含创作者细腻的弧线平衡设计，并且任何角度都能呈现不一样的曲线美，更别说在工业设计发展上又是一项大胆的革新之作。
Wiggle Side Chair (1972)：Wiggle Side Chair 可以说是解构主义大师 Frank O. Gehry 的名作！单单采用瓦楞纸板、纤维板这类看似软性的素材，透过炉火纯青的力学衡量结构，创造出划时代的座椅型态。
Juli Chair (1996)：来自德国的设计师 Werner Aisslinger，有着对材料与技术上的实验精神，从他富有简洁线条的设计作品中细看，其实充满着高实用性的展现。其中，《Juli Chair》便开先河将发泡聚氨酯Polyurethane Foam 素材运用至家具上的设计椅，同时亦第一个被纳入 MoMA 永久馆藏的德国设计椅。
纽约MoMA电影展览厅
二楼主要为电影展览厅，近期 (2018/4) 主要播放电影展览为 Modern Matinees: Delmer Daves and H. C. Potter in Resonance 与 Kazuo Miyagawa: Japan’s Greatest Cinematographer。
作为战后日本电影中最有影响力的摄影师，宫川和夫（1908-1999）与小津泰子、黑泽明、沟口健二一起拍摄了他们最重要的一些电影。
这是美国第一个主要的美术回顾展，宫川的作品超过35年，宫川敬佩20世纪20年代德国表现主义电影的鲜明，高对比度的照明，当他在20世纪30年代在日活工作室开始他的职业生涯时，他通过他自己的进程化的黑白摄影提升日常的情节剧和音乐剧，最值得注意的是在 Masahiro Makino的《Singing Lovebirds》中，在室外使用镜子创造斑驳的阳光，或者使用远摄镜头来表达情感距离，透过这些他对于色彩的实验，而使得他成为了传奇人物。
当期展览 - 《A Synthesis of Intuitions》
六楼为当期客座展览主厅，从现在到2018年7月22日止，展览作品为《A Synthesis of Intuitions》，其创作者 Adrian Piper 曾说：「似乎对我而言，我越能清楚而抽像地学习如何思考，我就越能清晰地听到我的内心，它在告诉我我需要做什么，并且是多么急迫地需要实现它。」
自20世纪60年代以来，Adrian Piper 这位不妥协的艺术家和哲学家便已探索了观念艺术作品的潜力——作品中艺术背后的观念先于客观实在——并挑战了我们对构成我们周遭世界的社会结构的常规假设。她的作品常借鉴她的个人和专业经验，直击性别、种族、仇外心理、社会参与和自我超越等问题。
Adrian Piper: A Synthesis of Intuitions 梳理了艺术家五十年的艺术生涯，其中包括受LSD启发的早期绘画作品；诸如《神话存在》（Mythic Being，1973年作）、《我的通话（卡片）＃1》 和《我的通话（卡片）＃2》 (My Calling (Card) # 1，My Calling (Card) #2，1986年作) 等重要项目，其中，Piper 在「神话存在」系列中将她的男性化自我与她的青年时期期刊作品结合，艺术家戴上非洲式的蓬松假发和浓密胡子打扮成男人，在纽约的街头巡行，并大声朗读她的期刊文章；后二者则直击观者自身的种族主义或性别歧视倾向，在《我的通话(卡片) # 1：晚餐和酒会派对的反应突击表演》(My Calling (Card) # 1: A Reactive Guerilla Performance for Dinners and Cocktail Parties) 中，她向无意冒犯她的人派发印刷的纸条，其中一张的开场白非常震撼：「亲爱的朋友：我是黑人。相信你在说出／取笑／同意这个歧视言论时并没有留意这一点。」令人非常印象深刻。
